Eigenschaften des Proberaums

Spätestens für die ersten richtigen Jam-Sessions mit E-Gitarre, Schlagzeug und Co. wird es ein wenig eng im heimischen Wohnzimmer oder in der Garage am Haus der Eltern. Dann wird es höchste Zeit für einen geeigneten Proberaum, in dem genervte Eltern, Nachbarn und Vermieter einem nicht Tag für Tag wegen der Lärmbelästigung in den Ohren liegen.

Ein Proberaum sollte natürlich ausreichend groß sein, damit alle Musiker samt ihrer Instrumente genügend Platz haben. Wie viel Platz zum Proben benötigt wird, hängt natürlich von der Größe der Band ab sowie von dem Budget, das den Nachwuchsmusikern für die Raummiete zur Verfügung steht.

Um professionell proben zu können, ist die richtige technische Ausstattung von signifikanter Bedeutung. Ausreichende Steckdosen und Kabel sollten vorhanden sein, damit alle Instrumente und Mikrofone mit Strom versorgt werden können. Auch für den Schallschutz sollte gesorgt sein, damit sich Nachbarn in angrenzenden Wohnungen oder öffentlichen Einrichtungen nicht von den Proben gestört fühlen. Spezielle Schutzverkleidungen aus Schaumstoff zur Schalldämmung gibt es preiswert im Fachhandel. Empfehlenswert ist auch, den Probeort in weniger bewohnten Gegenden zu wählen, um einerseits ungestört jammen zu können und anderseits auch niemanden zu belästigen.

Günstig ist ein Probeort, an dem Instrumente und Equipment sicher aufbewahrt werden können, damit Drumset, Verstärker und Co. nicht für jede Probe aufwendig zum Proberaum transportiert und aufgebaut werden müssen. Der Proberaum sollte deswegen abschließbar sein. Er darf zudem auf keinen Fall feucht sein und sollte belüftet werden können. Damit einem in der kalten Jahreszeit beim Proben nicht die Finger abfrieren, sollte zumindest ein elektrischer Heizofen oder ein Radiator für den Winter angeschlossen werden können.

Wo findet man Proberäume?

Viele Wege führen zum Proberaum. Neben Inseraten in der Zeitung lohnt sich für junge Bands auch ein Blick an die schwarzen Bretter von Musikschulen oder Musikläden. Häufig werden auch in Gemeindezentren, leer stehenden Fabrikgebäuden und in Vereinsheimen entsprechende Räumlichkeiten an Musiker vermietet.

Zum Mitspielen

Auf den ersten Blick ein gelungenes Bild von Steg, Gitarrensaiten und Tonabnehmer, samt einem das kleine G abbildenen Amplifiers, stellt der User schon beim ersten Mouse-Over fest, dass es sich hier um mehr handelt als nur eine Abbildung der wichtigsten Elemente einer elektronischen Gitarre. Die Saiten klingen auch und nicht nur das: Wie bei einer echten Gitarre schwingen sie mit und nach und leuchten außerdem in den typischen Google-Farben, wahlweise in Grün, Blau, Rot und Gelb, auf. Und wer sich jetzt inspiriert fühlt, ein Liedchen zu spielen, kann seine Komposition per Klick auf den Amplifier sogar aufnehmen. Oder handelt es sich beim Fuß des kleinen Google-G nur um die Abbildung eines Aufnahmeknopfs aus dem Tonstudio?

Klang und Widerhall

Das Leben Les Pauls war seit dem zarten Alter von acht Jahren von Musik geprägt. Zunächst im Country, später dann im Jazz beheimatet strebte er immer nach akustischen Neuheiten und Verbesserungen. So kam er wohl auch zu seiner wichtigsten Erfindung, der elektronischen Gitarre mit solidem Körper, was den störenden Effekt der Rückkopplung bei gleichzeitiger Benutzung von elektronischem Tonabnehmer und Instrument mit Hohl- und Klangkörper eliminierte. Auch mit Halleffekten und Aufnahmetechniken experimentierte Les Paul zeitlebens. Noch kurz vor seinem Tod erzählte er in einer Talkshow, dass er an einer bahnbrechenden Erfindung für die Musikwelt arbeite, jedoch erfuhr die Nachwelt nie, worum es sich dabei handelte. Der Antrieb für seinen Erfindergeist sei aber nie Ehrgeiz gewesen, sondern schlicht der Wunsch etwas zu schaffen, dass er für seine Musik brauche. Mit dem Klang der elektronischen Gitarren, vor Entwicklung der Gibson Les Paul, sei er schlicht unzufrieden gewesen. Es wäre interessant zu erfahren, was er wohl von dem Doodle zu seinen Ehren gehalten hätte.

Kein günstiges Vergnügen

Die Preise zeigen es deutlich: günstig Musikinstrumente zu kaufen ist auf den Auktionen kaum möglich. Vor Kurzem trennte sich Eric Clapton von einigen seiner Schätze: 75 Gitarren und 55 Verstärker wurden beim Auktionshaus Bonham versteigert, die Erlöse betragen insgesamt rund 2,15 Millionen Dollar, also 1,55 Millionen Euro. Eine stolze Summe. Ganz weit vorne beim Erlös war eine Gibson L-5P aus dem Jahr 1948, sie brachte fast 83.000 Dollar ein und übertraf so ihren Schätzwert deutlich. Verstärker kosteten teilweise mehr als 40.000 Dollar.

Aber nicht nur altgediente Musiker wie Clapton versteigern ihre Gitarren, auch die jüngere Generation des Musikgeschäfts trennt sich häufig von ihrem Equipment. So stellte Taylor Swift einige ihrer Stücke für eine Versteigerung der Country Music Hall of Fame zur Verfügung. Auch ihre Gitarren waren keine Schnäppchen. Eine zwölfseitiges Stück aus dem Jahr 2009, komplett mit Unterschrift und Taylors Glückszahl 13 auf dem Klangkörper brachte mehr als 16.000 Dollar. Aber es gibt auch Kurioses, so bot Frank Zappas Sohn Dweezil eine Gitarre an, die Jimi Hendrix insgesamt zweimal auf der Bühne angezündet hatte bevor sie in die Hände von Frank Zappa gelangte. Hendrix betrachtete das Verbrennen seiner Gitarre anscheinend als religiösen Vorgang. Frank Zappa spielte mit der noch voll funktionstüchtigen Fender Stratocaster “Sunburst” sein Album “Zoot Allures” ein. Dweezil probierte mehrmals die Gitarre zu versteigern, bei der ersten Versteigerung nahm er jedoch ein Angebot von 500.000 Dollar nicht an. Bei der zweiten Versteigerung lag das höchste Gebot dann nur noch bei 300.000 Pfund.

Auch eine weitere, von Henrix verbrannte Gitarre wurde bereits versteigert. Hendrix Pressesprecher hatte das Instrument mit der interessanten Geschichte in der Garage seiner Eltern aufgehoben, wo es erst nach Jahrzehnten wieder aufgefunden wurde.

Für einen guten Zweck

Der Erlös der Hendrix Gitarren kam vor allem Privatpersonen zugute. Doch Künstler nutzen häufig die Versteigerung ihrer Instrumente, um etwas zurückzugeben. Eric Clapton spendete den Erlös aus dem Verkauf seiner Gitarren einem Zentrum für Rauschgiftsüchtige und Alkoholiker auf der Karibikinsel Antigua. Der früher selbst Drogenabhängige Musiker hatte dieses Zentrum 1998 selbst gegründet.

Auch deutsche Künstler versuchen auf diese Weise zu helfen. BAP Sänger Wolfgang Niedecken stellte eine seiner Gitarren für eine Versteigerung zur Verfügung. Das Instrument erzielte einen Preis von 5650 Euro. Mit dem Geld wird eine Organisation unterstützt, die in Uganda ehemaligen Kindersoldaten eine neue Perspektive ermöglichen will.

Eine der wohl bekanntesten und unter Musikern beliebtesten Gitarren ist das Modell Les Paul des US-amerikanischen Herstellers Gibson. Die in Musikerkreisen liebevoll auch „Paula“ genannte E-Gitarre wird seit 1952 hergestellt und gilt in der heutigen Zeit fast schon als Kultobjekt unter Musikern und Gitarren-Fans.

Kurze Geschichte der Les Paul

Gibson-Präsident Ted McCarty wollte Anfang der 1950er Jahre eine neuartige elektrische Gitarre entwickeln, die eine Antwort auf die Instrumente des Konkurrenten Fender darstellen sollte. Im sonst eher konservativen Produkt-Program des Herstellers Gibson stach die Les Paul als erste Solidbody-Gitarre zunächst eher ein außergewöhnliches Instrument hervor. Der Markt war in der damaligen zeit anscheinend noch nicht bereit für die Les Paul. Aufgrund eher schleppender Verkaufszahlen wurde die Produktion des Instruments im Jahr 1961 zunächst eingestellt.

Aufstieg zum Kultobjekt

Nachdem die Produktion jedoch versuchsweise wieder aufgenommen wurde, erfreute sich die Les Paul nach und nach wachsender Beliebtheit. Um der Les Paul schließlich zum Kultstatus zu verhelfen, war keine Marketing Ausbildung notwendig. Aufgrund ihres warmen und druckvollen Klangs lernten im Verlauf der 1960er Jahre berühmte Künstler wie Eric Clapton, Jimmy Page oder Jeff Beck die Les Paul zu schätzen und zu lieben. Nachdem die Produktion des Instruments mit dem massiven Korpus im Jahr 1968 wieder gestartet wurde, avancierte die Les Paul schnell zum Erfolgsschlager Nummer eins. Heute gilt die Les Paul neben der Fender Stratocaster zu den bekanntesten E-Gitarren.

David Tattersall ist der Sänger und Gitarrist der englischen Band „The Wave Pictures“, die seit ein paar Jahren regulär Platten heraus bringt, doch schon seit Ende der Neunziger zusammen musiziert.

Sie sind ein Eingespieltes Team, das ist unüberseh- und hörbar. Mit was für einer Selbstverständlichkeit die drei mittlerweile in London ansässigen Jungs auf die Bühne gehen, sucht seinesgleichen, und wenn sie ihre Freunde bei Konzerten unterstützen, hat man den Eindruck, sie hätten überhaupt gar nicht geübt. Nicht dass sie fehlerhaft oder schlecht spielten – eher im Gegenteil. Es mag wohl eher ihre Ausstrahlung sein. Oder die Tatsache, dass es schlechterdings unmöglich wäre, das Übungspensum hinzulegen, das erforderlich wäre, um zum Beispiel Stanley Brinks und Freschard bei ihren jeweiligen Einzelkonzerten als Backingband zu begleiten und danach noch selbst aufzutreten. Auch das Pensum an Coverversionen, welche die Wave Pictures noch in Petto haben, spricht eigentlich dagegen, dass die jungen Herren, die angeblich noch nicht einmal die dreißig erreicht haben, nur mit Wasser kochen. Und als wäre dies nicht genug, spielt David Tattersall nun auch noch in einer Bluegrassband, gemeinsam mit Darren Hayman (ehemaliger Kopf der Gruppe „Hefner“) und zwei weiteren Gesellen unter dem Namen Hayman, Watkins, Trout and Lee. Und hat diesen Sommer ein Soloalbum herausgebracht. Und das ist ja auch noch nicht alles, soviel sei verraten. Eine solche Vielseitigkeit und Spontaneität ist eigentlich nur dadurch zu erklären, dass Tattersall über die Gitarre verfügen kann wie über ein Körperteil und somit intuitiv elegant auf alle musikalischen Impulse, die ihm entgegen kommen reagieren. Und zu allem Überfluss schreibt David Tattersall auch noch die mit abstand besten Texte zur Zeit, deren Witz und Schlauheit nahe legen, dass er zumindest die Fachhochschulreife in der Tasche hat, auch wenn man sich bei all dem Tourzirkus kaum vorstellen kann, wo er die Zeit dafür hergenommen hat. Aber ihm wäre auch noch ein Fernstudium nebenbei zuzutrauen – vermutlich schläft der Mann einfach nie.

Berry Musikalischer Werdegang

Bereits während seiner Zeit an der High School begann Berry, der eigentlich Charles Edward Anderson Berry heißt, mit dem Gesang und dem Gitarrespielen. Nach dreijährigem Aufenthalt im Jugendknast war Berry in einer Autofabrik beschäftigt, arbeitete jedoch an 1951 bei dem Radiosender WEW. Dort kaufte er einem Musiker eine E-Gitarre ab und begann, seine Musik mit einem Tonbandgerät aufzuzeichnen. Erste Auftritte in der Öffentlichkeit absolvierte Chuck Berry im Jahr 1952 im Huff’s Garden. Dort begann er schließlich auch seine Zusammenarbeit mit dem Komponisten und Pianisten Johnnie Johnson, die über zwanzig Jahre andauern sollte.

Einstieg in die Charts

Im Jahr 1955 schickte er ein Demoband an Chess Records, deren Produzent sich Leonard Chess vor allem von dem Stück „Ida Red“ begeistert zeigte. Umbenannt in „Maybellene“ landete Chuck Berry mit diesem Song auf Anhieb eine Top-Ten-Hit in den US-amerikanischen Billboard-Charts. Ein Jahr später wurde mit „Roll over Beethoven“ sein wohl berühmtestes Stück veröffentlicht.

Der Duckwalk

Auf der folgenden ersten großen Tournee Chuck Berrys kam es zur Erfindung des legendären Duckwalks, mit welchem der Musiker während seiner Liveshows das Publikum ursprünglich nur von den Falten auf seinem Jacket ablenken wollte. Der Ententanz wurde jedoch bald zum Markenzeichen Berrys.

Lebende Legende des Rock’n'Roll

In den darauf folgenden Jahren avancierte der inzwischen 83-jährige Musiker nicht nur zu einer festen Größe seiner Zeit , sondern prägte mit seinen innovativen Riffs und Licks viele Gerationen von Gitarristen nach ihm. Viele seiner Songs wurden von Künstlern wie den Beatles, den Rolling Stones, den Beach Boys, AC/AC, Jimi Hendrix oder Simon and Garfunkel gecovert.

Die Mandoline ist ein Instrument, das leicht in Vergessenheit gerät oder das zumindest mit Nichtbeachtung gestraft wird. Zum Glück ist sie trotzdem unter Musikern beliebt und wird gerne unauffällig in Arrangements eingebaut.

Der kleine Achtsaiter teilt gewissermaßen das traurige Schicksal des Basses – nur an unterschiedlichen Enden des Frequenzspektrums – und tritt meist unauffällig bis zum Geht-Nicht-Mehr in Erscheinung. Allenfalls ihre Subtraktion könnte auffallen. Zugegeben, der Wegfall des Basses würde meist eklatanter auffallen, ist der Bass doch aus jeglicher Popmusik nur schwer wegzudenken. Die wenigsten schenken ihm ihre Aufmerksamkeit, doch ist es vollkommen unvorstellbar, einen Tanzflur ohne Bass so richtig durchzuschütteln. Die Mandoline hingegen ist häufig eher der Zuckerguss, der eine Produktion richtig groß erscheinen lässt. Eines der populärsten Beispiele für Mandoline in der Popmusik ist sicherlich „Losing My Religion“ von R.E.M., das tatsächlich um eine Mandolinenfigur entstanden ist, die dem Gitarristen Peter Buck beim Baseball-Schauen einfiel. Das Instrument mit der Klang-Anmutung, die so griechisch ist (auch wenn in der griechischen Folklore streng genommen die der Mandoline und der Laute verwandte Bouzouki gespielt wird), ist nicht jedermanns Sache: sie wird nicht nur empfindlich anders gestimmt als eine Gitarre, sie erfordert auch, möchte man ihr Potential nutzen, auch anders zu spielen; das Stichwort sei hier: Vibrato. Der Mandolinenvirtuose / die Mandolinenvirtuosin wird nach Belieben schneller und langsamer, doch die wenigsten beherrschen diese Technik. Da der ultraschnelle Anschlag schwierig und anstrengend ist, greift man im Studio gerne auf einen kleinen Trick zurück und montiert ein Plektron an einen Vibrator, der die Arbeit der rechten Hand übernimmt.

Die Stratocaster, umgangssprachlich auch Strat genannt, ist ein E-Gitarren-Modell, welches seit 1954 von der US-amerikanischen Firma Fender hergestellt. Als die Strat vor mehr als 50 Jahren auf dem Markt gekommen ist, revolutionierte sie den Markt. Bis heute ist sie bei jungen und alten Musikern beliebt und ist die meist verkaufte und meist kopierte E-Gitarre der Welt.

Der amerikanische Musikinstrumentehersteller Leo Fender begann 1952 mit der Entwicklung einer neuen Gitarre, nachdem seine erste elektrische Gitarre, die Fender Telecaster, auf dem Markt für Musikinstrumente ein voller Erfolg geworden war. Anfang der 1950er Jahre forderten viele Händler von Fender ein hochwertiges und gut ausgestattetes Instrument, welches eine günstige Alternative zur teuren Les Paul von Gibson darstellen sollte. Im Jahr 1954 begann dann der Bau und der Verkauf der Stratocaster, sie wurde ein voller Erfolg.

Seit den 50er Jahren legt Fender sehr viel Wert darauf, dass bekannte Musiker die Instrumente von Fender benutzen und mit diesen auftreten. In den Anfängen wurden noch Serienmodelle an Künstler verliehen. Ab den 1980er Jahren wurden E-Gitarren für bestimmte Künstler speziell nach deren Wünschen angefertigt und als so genannte „Signatur-Modelle“ sogar im Handel verkauft. Zu den Künstlern, die eine eigene Strat erhielten zählten unter anderem Eric Clapton, Jeff Beck, Jimi Hendrix und Richie Sambora.

Wahl des Instruments und der Weg zum verbalen Ausdruck der Gefühle

Das Musikinstrument ist bei der Musiktherapie das Medium, mit dem der Patient Kontakt aufnimmt und seinen Gefühlen Ausdruck verleiht. Die Wahl des Instruments ist dabei dem Patienten überlassen, denn schließlich muss dieser sich mit dem Instrument identifizieren können um seine Gefühle richtig auszudrücken.
Symbole, in Form eines Klangs, eines Bildes oder eines Objekts werden genutzt um an die Stelle einer Person, eines Ereignisses oder einer Erfahrung treten. Mit den Symbolen wird eine andere Wirklichkeit dargestellt und für den Therapeuten sichtbar und besser nachvollziehbar. Der Patient assoziiert also bestimmte Dinge mit der Musik und kann seinen Gefühlen so freien Lauf lassen.  Der Patient durchlebt also noch einmal bestimmte Situationen und Erlebnisse und kann diese durch Improvisationen besser verarbeiten.
Die Improvisation führt durch vier verschiedene Phasen, in denen bestimmte Themen spezialisiert und genauer behandelt werden, bis der Patient zu dem Punkt gelangt, an dem frei über die Bedeutung der musikalischen Improvisation in der Gruppe gesprochen werden kann. Häufig kommen dann auch noch andere Therapien, wie die Tanztherapie, oder die Kunsttherapie zum Einsatz.